ENTREVISTA A LUIS FELIPE NOÉ

Decir que Luis Felipe Noé es un pintor es subestimarlo: es un pensador, un agitador cultural, un punk sin saber lo que es el punk. Si bien comenzó en el movimiento Nueva Figuración en la década del sesenta, su carrera no se quedó cómoda durmiendo en los laureles del pasado, sino que Noé siguió reinventándose y haciendo siempre lo que quiso, como cuenta la famosa y ya gastada leyenda de que tiró cuando vivía en Nueva York tiró sus obras al Río Hudson para luego irse a París, dejar de pintar por diez años, hacer terapia y volver a la Argentina. Su hijo es el famoso director de cine Gaspar Noé, responsable de películas como Irreversible y Enter the Void.

La idea de qué es ser artista es compleja e infinita pero Noé se las arregla para darnos una definición personal y comenzar así esta entrevista/monólogo interior.

Vaya preguntita. El artista es alguien que trata de rescatar el poder de ficción del lenguaje. Porque uno está tan acostumbrado a la comunicación cotidiana, banal, que se le escapa que el lenguaje ha sido inventado alguna vez. Somos los únicos animales, los hombres, que tienen el poder de vivir dos realidades: la realidad del contexto, como todos los animales, y la de fingir a su vez el contexto a través del lenguaje, ya sea el lenguaje de las palabras, el lenguaje de la imagen, el lenguaje de la música… hay muchas formas de lenguaje. El artista es, en cierto modo, eso que en la operación de su quehacer, él se formula a sí mismo de una manera inesperada. Como quien se mira en un espejo mientras está haciendo su obra y se queda sorprendido de lo que va haciendo, o sea, de lo que va haciendo y siendo, siendo a través de su obra.

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¿Existe la inspiración?

No creo que haya inspiración. Creo, sobre todo, en el estado de trabajo y en que el artista va siendo a través de su trabajo. No es un trabajo tan claro como decir carpintero. ¿Qué es un carpintero?. El que hace muebles. ¿Qué es un carnicero?. El que corta la carne y la vende. Bueno, así todos los oficios tienen una función social. La función social del arte en realidad es otro tipo de función. Va formulando una cosmovisión colectiva. Los artistas son hacedores de la imagen de un pueblo.

El artista es un tipo que se relaciona con el contexto. El contexto puede ser totalmente solitario, aparentemente, pero no deja de ser un contexto. Si un artista busca la soledad por completo es porque el contexto le obliga a buscar la soledad por completo. El contexto siempre está.

 

¿Te propusiste ser artista?

Mi padre pertenecía al mundo cultural. No era artista pero era crítico literario. Hacía los programas de la asociación Amigos del Arte, que realizaba conferencias y exposiciones de cuadros. Desde chico iba a ver las exposiciones y siempre me interesaban las figuritas, todo tipo de figuritas. Tal vez, la primera figurita que me impresionó fue la tapa de un libro de primer grado inferior, que era un chico leyendo un libro y el libro era lo mismo, un chico leyendo un libro, y así hasta el infinito. Me preguntaba quién es el último, ¿el chico que está en la tapa o yo? De niño sabía que quería ser pintor. Decía: “Bueno, pero es muy difícil llegar a ser pintor. Si no soy pintor, ¿qué seré?”. Como un tonto decía: “Bueno, si no soy pintor seré dibujante”. Creía que ser dibujante era un grado menor. Ahora, ¡para nada creo eso! También decía: “Bueno, y si no soy dibujante… seré crítico de arte.” (Risas) Y fui las tres cosas. Porque crítico de arte fui antes de ser pintor, antes de exponer.

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A fines de los años ’80, regresa a Buenos Aires luego de vivir durante años en Nueva York y París. Da clases y abandona la pintura. Dibuja. Sin embargo, comenta:Ningún día dije “dejo de pintar”. Nunca. Sucedió que el contexto para mí era asumir el caos, o sea, el despelote de cosas que se entrecruzan y demás. Entonces, realicé instalaciones muy complejas, muy muy complejas y muy grandes. Al final no tenía dónde guardarlas, dónde venderlas, dónde trasladarlas. Todo era muy complejo. Por eso un día dije: “voy a desensillar hasta que aclare”. Eso duró 9 años”.

Durante ese tiempo funda un bar: El Bárbaro. Uno de sus tragos favoritos es el Bloody Mary, que recomienda preparar en este orden: vodka, jugo de tomate, salsa inglesa, un poco de limón y salsa tabasco. Una combinación necesaria.

También se dedica a escribir y a jugar con las palabras, algo que siempre aparece en los títulos de sus cuadros. Cuenta: “Escribí un libro que después no publiqué. Pero publiqué otros dos libros más: Recontrapoder, una novela escrita y dibujada que más tarde la hice en forma de historieta y un libro que se llama Una sociedad colonial avanzada, frases sobre la argentina pero todas paradojales como “colonial avanzada”. Cuando estaba en Estados Unidos en un momento oí hablar de sociedad industrial avanzada. Entonces, me pregunté: “¿qué tipo de sociedad será la mía?”. Dije: “es colonial avanzada.”

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¿Cómo se llamaba el libro que no publicaste?

El arte entre la tecnología y la rebelión. Era como la continuación de mi libro anterior, Antiestética. Lo escribí paralelamente al Mayo del 68 francés y al 68 de Estados Unidos también. Era sobre el contexto, la situación de permanente asfixia con los golpes que había de los militares acá en la Argentina. Era una análisis de la situación general y de cuál era el lugar del artista en medio de los avances tecnológicos y de un clima de rebelión que estaba latente.

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¿Qué recuerdos conservás de tu vida en Nueva York? 

Viví en Nueva York entre 1964 y 1968. Fui en 1964 con el Premio Di Tella. Después volví acá en 1965. Y después, a fines del 65, volví a Nueva York con la Beca Guggenheim. Como la Beca Guggenheim me la saqué dos veces podía quedarme un año más y me quedé trabajando en un programa para el desarrollo de un barrio puertorriqueño. Diseñé un centro cultural.

Me impresionó mucho ese Nueva York. Ahora Nueva York no me atrae para nada. Para mí es como si estuvieras enamorado de alguien y después de un tiempo lo ves y decís: “Claro, es la misma persona. Pero… ¡cómo diablos pude estar enamorado!”. El Nueva York que yo conocí era el Nueva York del nacimiento del Pop Art, de los hippies, de la formación de los hippies, de la libertad sexual. No tenían conciencia del peligro de las drogas. Estaba la guerra de Vietnam y todos los movimientos en contra de la guerra de Vietnam. Era un hervidero. Un hervidero interesantísimo, y después vino la época de Reagan. Los norteamericanos empezaron a creerse el centro del mundo y en el campo del arte también. Pero en esa época no, porque acababan de independizarse de la hegemonía francesa, de Paris. ¿Te das cuenta? Entonces estaba abierto Nueva York, incluso a los extranjeros. Después le vino la pedantería y la prepotencia que tienen. ¡Bah! Después no es que les vino eso, sino que quedó al desnudo.

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¿Qué te dejó el Pop Art y la contracultura en tu obra y en tu vida?

Del Pop Art me interesaba cómo una sociedad se asumía visualmente en el contexto. El pop es muy norteamericano. Aunque hay gente que dice que nació en Inglaterra, pero es fundamentalmente muy norteamericano. Con el Pop Art no es necesario que te encierres en una galería y que veas cuadros pop para entender el pop. Está en calle. No me interesaba hacer arte pop a la norteamericana sino asumir mi contexto. Y mi contexto era otro.

 

Parte importante de tu obra parte de la teoría sobre el caos.

Te voy a decir lo que es el caos para mí. En un momento también, un poco, lo tomaba como desorden, pero en realidad caos no es desorden. Caos es el ritmo permanente de la vida que va cambiando continuamente. Es un tiempo muy acelerado donde todo se cuestiona. Y ese desmadre permanente en torno mío era lo que me interesaba asumir.

Un tipo que sube al tren está siempre en lo mismo, está en ese tren. Pero el tren siempre está cambiando de lugar y para en distintas estaciones y ve distintos paisajes. Las estaciones son como las distintas etapas de evolución de un artista. Ahora, cuando vos subís a un tren y no conocés el lugar donde vas a ir, simplemente conocés vagamente el nombre del lugar pero no sabés qué es. Tenía el nombre de caos pero me fui relacionando con eso a través de mi obra y a través del tiempo. Por eso en esa época hablaba de cuadro dividido, de visión quebrada.

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¿Se podría decir que uno puede manejar el propio orden a través del caos?

Es que el caos es un orden en permanente transformación. El caos no tiene contrario, y si tuviese contrario sería la muerte. Caos es la vida misma.

Por ejemplo, todo un sistema de orden como fue Roma y el imperio romano. ¿Qué queda de todo eso? Un recuerdo y unos antecedentes. Por algo en la Facultad de Derecho todavía enseñan derecho romano. Pasa lo mismo con el concepto de caos. No lo definen demasiado en el campo de la física, pero lo utilizan mucho. Es, en cierto modo, lo que no se puede predecir. Está en todos los campos. Hasta la misma tierra ha ido cambiando, los continentes eran distintos. Si no todavía estaríamos en la época de los dinosaurios. No sé. La gente cree, la gente desea que nada se mueva, le tiene miedo al movimiento de las cosas y no hay otra cosa que movimiento de las cosas.

 

¿Qué existe de mito y qué de verdad en el gesto de tirar tus obras al Río Hudson en Nueva York?

En realidad fue una frase. Lo que tiré fueron las instalaciones, que eran dificilísimas de trasladar, eso es lo que tiré. Yo vivía a orillas del Hudson, pero no tiré las instalaciones en el Río Hudson. Es una manera de decir: “lo tiré en el Hudson”.

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Pasando al ámbito de la literatura, ¿podrías nombrar algunos libros que te marcaron?

No sé si tengo experiencia literaria porque sobretodo he escrito ensayos. Recontrapoder me salió así… (hace un ruido como de fugaz) en el tiempo que no estaba pintando. Tengo una gran admiración por Borges como escritor pero también Cien años de soledad es un libro que me impresionó mucho cuando lo leí. Moby Dick.  Soy un lector pero no tanto de ficción. Más bien soy lector de ensayos.

¿Qué estas leyendo ahora?

Estoy queriendo retomar un libro que abandoné y estoy leyendo siempre en relación a eso. El libro se llama El striptease de la diosa y de subtítulo La pintura desnuda y sus consecuencias. Es un ensayo sobre la situación de la pintura. Y lo del striptease, lo que se llama un striptease de la pintura… cada vez menos, cada vez menos, cada vez menos. Desde la época del romanticismo en adelante hasta ahora. Cada vez menos. Se llegó al minimal art, al arte conceptual, es decir, a una aventura de la pintura por conocerse. La pintura se puso,sobre todo a partir del Renacimiento, unas ropas muy unidas al relato literario. Luego empezó a independizarse de la literatura y se fue aproximando a otra prima hermana que es la música y que es por naturaleza abstracta. Entonces empezó a aprender lo esencialmente abstracto que tiene la pintura, o sea, empezó a entender sus propios elementos constituyentes: línea, espacio, color.

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¿Te gustan las películas de tu hijo Gaspar?

Creo que Gaspar está en una cosa que me interesa mucho y que es tratar de indagar en el cine como lenguaje. Me interesa cuando sobre todo le hace hablar a la imagen y relata las cosas con imágenes. Aunque una de las primeras películas que hizo, Solo contra todos, es muy hablada, la que más me gusta es la última, Enter the Void. Le puedo criticar que es demasiado larga, pero me interesa esa manera de relatar con la imagen. Por otra parte, los jóvenes lo apoyan mucho y lo admiran, pero los críticos viejos le dan con todo porque todavía están pensando. Muchos críticos confunden el cine con la literatura, creen que es nada más que un relato hablado y Gaspar los irrita particularmente porque lo ven como un provocador. Creo que él simplemente no les interesa. Si habla de algo, se refiere a algo, lo muestra con claridad. Si hay una violación se muestra la violación, si hay un aborto se muestra un aborto, si hay acto sexual se muestra el acto sexual, no esa cosa de pasar rápidamente la cosa por pudor. Eso a algunos críticos los irrita mucho, pero es uno de los aspectos de su obra llamar a las cosas por su nombre.

 

En cierto sentido, también participaste de Enter the Void.

¡Ah! Por los cuadros. Sí. Siempre hace una alusión. En Irreversible también había puesto cuadros míos y de De la Vega. De la Vega es su padrino. De la Vega murió cuando tenía 41 años y Gaspar tenia 8 años, pero siempre ha quedado fascinado por ese fantasma de padrino que tiene.

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A esta altura de tu vida, ¿podés hacer una reflexión sobre lo que significa para vos el arte mezclado con la vida?

Lo bueno del campo del arte es que uno hace lo que se le antoja. No sé. Si a mí me preguntan si doy un consejo a jóvenes o cosas así: ¡que hagan lo que quieran!. Pero el problema es saber lo que se quiere. Ese es el problema más difícil. Pero una de las maneras de ir sabiendo lo que uno quiere es ir haciendo cosas. 

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